Пушкинский музей - справка


Пушкинский музей - справка
ПУШКИНСКИЙ МУЗЕЙ - СПРАВКА

17 августа 1898 года в Москве состоялась церемония закладки Музея изящных искусств им. императора Александра III. В наши дни он называется Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина.

ГМИИ им. Пушкина — это один из самых крупных и значительных российских музеев европейского и мирового искусства. Его строительство началось 17 августа 1898 года и закончилось 13 июня 1912 года.

Сейчас коллекция музея насчитывает свыше 560 тыс. произведений живописи, графики, скульптуры, произведений прикладного искусства, памятников археологии и нумизматики, художественной фотографии. Экспозиционно-выставочная площадь музея составляет 2672,2 кв. м.

1. ПЕРЕЧЕНЬ ЛУЧШИХ КАРТИН

ХУДОЖНИК/КАРТИНА/СТРАНА/ЗАЛ/ЭТАЖ

ОСНОВНОЕ ЗДАНИЕ

1. КРАНАХ-СТ./МАДОННА С МЛАДЕНЦЕМ/ГЕРМАНИЯ/8/1
2. РУБЕНС/Вакханалия/НИДЕРЛАНДЫ/9/1
3. РЕМБРАНДТ/Артаксеркс, Аман и Эсфирь/НИДЕРЛАНДЫ/10/1
4. ЛОРРЕН/Похищение Европы/ФРАНЦИЯ/21/2
5. БУШЕ/Геркулес и Омфала/ФРАНЦИЯ/22/2
6. ДАВИД/Андромаха, оплакивающая Гектора/ФРАНЦИЯ/23/2
7. МИКЕЛАНДЖЕЛО/Пьета (Оплакивание Христа)/ИТАЛИЯ/29/2 (скульптура)

ИМПРЕССИОНИСТЫ

1. Моне Клод «Бульвар Капуцинок в Париже»
2. Моне Клод «Завтрак на траве
3. Моне Клод «Белые кувшинки» («Японский мостик»)
4. Писсарро «Осеннее утро в Эраньи»
5. Сислей «Сад Ошеде. Монжерон»
6. Ренуар «Купание на Сене» («Лягушатник»)
7. Ренуар «Портрет Жанны Самари»
8. Дега «Голубые танцовщицы»
9. Сезанн «Пьеро и Арлекин»
10. Гоген «RUPERUPE (О, Таити, чудесный край! Сбор плодов)
11. Ван Гог Красные виноградники в Арле
12. Пикассо Девочка на шаре

2. ОПИСАНИЕ КАРТИН

1. ЛУКАС КРАНАХ-СТ. «МАДОННА С МЛАДЕНЦЕМ»
Значительное место в творчестве Кранаха занял образ Богоматери. Написанная в 20-е годы XVI века картина «Мадонна с младенцем» дошла поврежденной: утрачены нижняя и правая часть композиции, изображающие беседку, увитую виноградом. Образ Мадонны приобрел у Кранаха величавость. Она заключена в высокой человечности Марии, в ее материнской любви, мягкой женственности и одухотворенности.

2. РУБЕНС «ВАКХАНАЛИЯ»
Античная мифология стала одной из главных тем творчества Рубенса. В основе сюжета картины - миф о боге плодоносящих сил природы, растительности и виноградарства Вакхе и его спутниках - Силене, сатирах и вакханках. В эпоху Рубенса считалось, что они выражают телесную, животную сторону человеческой натуры, ведут бездумное существование среди природы, в полной гармонии с ней. Все в картине пронизано ощущением жизенного напора, преизбыточности и великолепия.

Динамичны движения персонажей: пышные сатирессы с усилием поддерживают опьяневшего Силена; сатир, висящий на дереве, дразнит тигра; дети с жадностью приникли к груди матери. Густой золотистый тон пронизывает горячие краски картины, наложенные широкими свободными мазками.

3. РЕМБРАНДТ. «АРТАКСЕРКС, АМАН И ЭСФИРЬ»
Полотно было создано в последнее десятилетие жизни Рембрандта. В основе сюжета лежит Книга Эсфири из Ветхого Завета. Иудейка Эсфирь, жена царя Артаксеркса, обвинила Амана, любимца царя, в коварных планах истребить иудейский народ. Но просто так сказать мужу о злодеяниях Амана Эсфирь не могла или не хотела. Ей непременно нужно было, чтобы Артаксеркс устроил пир, где царица и обличила замыслы Амана.

На золотом блюде художник разместил ближе к Аману яблоко, а перед Артаксерксом и Эсфирью по грозди винограда. Яблоко может быть интерпретировано как символ греха, а виноград — как символ жизни.

4. ЛОРРЕН «ПОХИЩЕНИЕ ЕВРОПЫ»
Лоррен, крупнейший пейзажист эпохи классицизма, уроженец Лотарингии, почти всю свою жизнь прожил в Риме, вдохновляясь впечатлениями итальянской природы. Однако не только природа, но прежде всего традиции античного искусства и великих мастеров Возрождения были той почвой, на которую опирались французские классицисты. В „Похищении Европы" Лоррен обращается к знаменитым „Метаморфозам" Овидия.

В одном из эпизодов книги рассказывается греческий миф о чудесном превращении Зевса, принявшего облик белого быка, чтобы похитить приглянувшуюся ему прекрасную дочь финикийского царя Агенора - Европу. Этот сюжет позволил Лоррену изобразить один из его любимых мотивов - отправление в путь. Подруги Европы сплели венки, украсили ими быка, готового увезти девушку на остров Крит. Обращаясь к событиям древней легенды, Лоррен не придает, однако, особого значения фигурам.

Недаром в его пейзажах их писали обычно другие художники. Главное в картине - природа, для Лоррена она была образцом возвышенного, совершенного мироздания, в котором царят покой и ясная соразмерность. Пейзажам художника свойственны широкий пространственный охват, обилие воздуха и света. Пространственные планы плавно переходят один в другой.

Первый план отмечен „кулисами" - деревом или зданием, обычно окрашенным в коричневые тона. Второй - это зеленая зона равнины, гористой местности, чаще всего в сочетании с водной поверхностью залива или бухты. И наконец - голубоватые дали, в которых небо сливается с горами.

5. БУШЕ «Геркулес и Омфала»
Картина относится к периоду, когда Буше закончил обучение у художника Лемуана, испытавшего сильное влияние Рубенса. Сюжет повествует о пребывании античного героя Геркулеса в плену у лидийской царицы Омфалы, которая должна была по воле богов унижать Геркулеса, наряжая его в женское платье и заставляя его прясть со своими служанками. Сама же она ходила в шкуре льва, снятой с Геркулеса, и носила его палицу. Изображая 13-ю, любовную победу Геркулеса над царицей, художник в этой любовной сцене ярко передал порыв страсти своих героев. Темпераментная живопись и насыщенная красочная гамма заставляют вспомнить об уроках Рубенса.

Вместе с тем персонажи Буше, как истинные герои рококо, не забывают о том, что за ними наблюдает зритель, а потому заняты не только и не столько собой, сколько тем впечатлением, которое они производят. Искусство может не только поучать и наставлять, но и нравиться и развлекать – утверждает эстетика ХVIII века.

6. ДАВИД «Андромаха, оплакивающая Гектора»
Сюжет этой картины, точнее, эскиза к хранящемуся в Лувре большому полотну, восходит к "Илиаде" Гомера: Гектор, доблестный предводитель троянцев, был сражен в поединке Ахиллом и оплакан верной женой Андромахой. Общественно-политический смысл этого произведения очевиден. Андромаха театральным жестом указывает на тело героя, отдавшего жизнь за родной город. Культ отчизны во французском обществе предреволюционной поры противопоставлялся идее служения королевской власти.

Произведение отличается ясностью и простотой композиции, светотеневая лепка полновесна и отчетлива. Большое внимание уделено Давидом исторической достоверности изображаемой среды

7. МИКЕЛАНДЖЕЛО «ПЬЕТА»
Скульптура Микеланджело «Пьета» или «Оплакивание Христа». Крупнейшей работой, выдвинувшей молодого скульптора в число первых мастеров Италии, была мраморная группа «Пьета». Выполненная на рубеже 15 и 16 столетий, «Пьета» открывает в творчестве Микеланджело период, отмеченный верой в торжество гуманистических идеалов Ренессанса. Для творческих исканий молодого мастера показателен уже сам выбор значительной и ответственной темы — скорби богоматери, оплакивающей умершего сына.

Тема эта истолкована с глубиной, недоступной мастерам 15 века. Всегда тяготевший к образам патетического характера, Микеланджело в этой группе дал пример углубленно психологического раскрытия драматической коллизии. Смело нарушив традицию, он изобразил богоматерь юной, тем самым оттенив ее особую духовную чистоту. Высокая одухотворенность образа Марии, благородная сдержанность ее чувства лишают трагическую тему оттенка безысходности, сообщая скорби молодой матери просветленный характер. В этой группе Микеланджело показал себя мастером, свободно справляющимся с трудностями композиционного построения, чувствующим эмоциональную содержательность жеста.

Сколько выразительности, например, в склоненной голове Марии, в движении ее отведенной в сторону левой руки, в котором мы угадываем раздумье, скорбное недоумение, вопрос. Моделировка объемов в римской «Пьета» довольно детализированна — это относится, в частности, к складкам одежды; поверхность мрамора гладко отполирована в духе общепринятых тогда традиций. История искусства периода Высокого Возрождения.

ИМПРЕССИОНИСТЫ

Коллекция импрессионистов и постимпрессионистов в ГМИИ вполне справедливо считается одной из лучших в мире. Только нью-йоркский Метрополитен и музей Орсе могут похвастать сопоставимыми собраниями. При этом многие картины, считающиеся лучшими в творчестве некоторых художников, находятся именно в Москве — будь то «Портрет Жанны Самари» Ренуара или «Голубые танцовщицы» Дега. Коллекция Пушкинского музея обязана своим появлением двум известным меценатам, Сергею Щукину и Ивану Морозову, которые фанатично любили искусство и начали собирать картины импрессионистов и постимпрессионистов еще до того, как они стали популярны и любимы во всем мире. Сейчас эта часть собрания выставлена в отдельном здании — в Галерее искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков.

Экскурсию в художественный мир импрессионистов имеет смысл начать еще по дороге в музей — разглядывая различные предметы и обсуждая, какого они цвета. Казалось бы, странная идея — спрашивать у вполне взрослого человека (заканчивающего детский сад или даже начавшего учиться в школе), какого цвета, например, вода в лужах, земля, деревья или проезжающие мимо машины. Но помочь им увидеть, что при различном освещении одни и те же вещи выглядят совершенно по-разному, — очень важно для того, чтобы рассказывать о художниках, которые и писали свет, пытаясь с помощью живописи передать сиюминутные впечатления от окружающего мира.

Можно рассказать и о том, что 140 лет назад во Франции художники, окончившие академию, рисовали согласно определенным традициям, «как надо», не принимая отступлений от установленных правил и не допуская экспериментов. Но в 70-е годы XIX века появились молодые художники, которые предложили совершенно новый взгляд на живопись: писать не то, что считалось «правильным», а то и так, как они видят.

В те времена главным событием в парижской художественной жизни был Салон — официальная ежегодная выставка Академии изящных искусств, участие в которой было обязательным для всех художников, желавших получить известность. Отбор произведений осуществлялся специальным жюри. Неудивительно, что художникам-экспериментаторам не удавалось пройти этот отбор, и, в конце концов, они договорились со знаменитым парижским фотографом Надаром и в апреле 1874 года открыли выставку в его ателье. Эта экспозиция осталась в истории как Первая выставка импрессионистов (а всего их прошло восемь).

Но почему вдруг фотограф, пусть даже и хозяин столь большой студии, решил приютить у себя художественную выставку? Все очень просто: ему очень понравилась картина, написанная художником Клодом Моне за год до этого. Это был вид на бульвар Капуцинок, написанный с балкона его студии.

1. Клод Моне. «Бульвар Капуцинок в Париже», 1873 г.

Картины, представленные на выставке, были встречены очень настороженно.
Рассказывают, будто один из посетителей подошел к Моне и попросил его объяснить, что это за неисчислимые черные отслаивающиеся выступы в нижней части картины.
«Это — прогуливающиеся люди», — ответил Моне. «Что? Я так выгляжу, когда я прогуливаюсь по бульвару Капуцинок?! — воскликнул любитель искусства. — Вы что, смеетесь надо мной?.. Это неслыханно, ужасно! Я наверняка сойду с ума от такой живописи». Но, к счастью, далеко не все посетители той, самой первой, выставки так резко отнеслись к произведениям молодых художников, которых стали называть «импрессионистами».

Ведь художники говорили о том, что они пытаются изобразить свои впечатления, а «впечатление» по-французски — impression. Надо сказать, что на долю некоторых картин выпадали нешуточные приключения — многое пережить пришлось картине Клода Моне «Завтрак на траве».

2. Клод Моне. «Завтрак на траве», 1866 г.
На самом деле, картина, которую можно увидеть в Пушкинском музее, — это только эскиз, то есть подготовительный материал. Обычно художники делают маленькие эскизы, с помощью которых определяют композицию, цветовые решения, на их основе и создается большая картина, а этот «эскиз» Моне — довольно большой. Дело в том, что Моне задумал написать воистину огромное — 6 х 4,6 м — полотно, на котором будут изображены элегантные дамы под зонтиками и импозантные мужчины.

Как вспоминал сам художник, такая большая картина была задумана прежде всего для того, чтобы изучить освещение в лесу — в тени деревьев и на поляне.
Но работу художник не завершил — возможно, замысел оказался слишком грандиозным.

В те времена Моне был беден и оставил недописанное полотно в качестве залога хозяину гостиницы, где жил, но выкупить его не смог. Лишь много лет спустя художник разыскал холст в сарае, где тот хранился, изъеденный сыростью. Видя, что картина не подлежит восстановлению, Моне отрезал куски, не тронутые влагой, а остальное выбросил. В результате один кусок оказался в собрании богатого ливанского коллекционера, а два других можно увидеть в парижском музее Орсе. И только разглядывая эскиз в Пушкинском музее, можно представить, насколько прекрасной могла бы стать большая картина.

3. Клод Моне. «Белые кувшинки», 1899 г.
В конце жизни Клод Моне уехал из Парижа в местечко Живерни и устроил там пруд, берега которого густо засадил ирисами, папоротниками, кустами роз и азалиями. В сам водоем были посажены роскошные кувшинки разных сортов. Эти цветы стали настоящей страстью художника, который писал: «…ко мне пришло откровение моего сказочного, чудесного пруда. Я взял палитру, и с того самого времени у меня почти не было других моделей».

И это не было преувеличением: за 20 лет, проведенных в Живерни, Моне написал несколько сотен этюдов и законченных полотен, на которых были изображены его любимые кувшинки. Но, надо сказать, именно картина из собрания Пушкинского музея считается одной из лучших.

4. Камиль Писсарро. «Осеннее утро в Эраньи», 1897 г.
У картины Камиля Писсарро «Осеннее утро в Эраньи» напомните юным зрителям, что импрессионистам приходилось сталкиваться с непониманием: настолько их картины — энергичные, с густыми мазками краски, которые создавали дополнительный рельеф, — были не похожи на гладкие, выписанные работы художников-академиков. Критики говорили, что работы Писсарро напоминают им «остатки краски, счищенные с палитры и ровными рядами положенные на грязный холст.

Непонятно — где верх, где низ, где передний план, где задний». Многим зрителям было непонятно, зачем художники-экспериментаторы отказываются от четкого рисунка, заменяя его мелкими мазками. Предшественники импрессионистов в поисках нужного цвета смешивали краски на палитре, а художники-новаторы накладывали мазки разных цветов прямо на холст, считая, что две положенные рядом краски усиливают друг друга, создавая удивительный живописный эффект.

Более того, импрессионисты впервые в истории отказались от черного цвета, и даже тени, падающие на землю, на их картинах были цветными. Предложите ребятам любопытный эксперимент — пусть они посмотрят на картину Писсарро или Сислея с близкого расстояния, а затем постепенно отходят, наблюдая, как россыпь мелких мазков, фактически цветных точек, превращается в пейзаж удивительной красоты.

5. Альфред Сислей. «Сад Ошеде. Монжерон», 1881 г.
Важно рассказать детям, что на протяжении многих столетий художники работали в мастерских. Импрессионисты одними из первых стали писать картины на улице (правильно говорить — «на пленэре»), чтобы наилучшим образом поймать впечатление от увиденного (вот оно — impression!).

Это стало возможно во многом благодаря изобретению металлических тюбиков для красок, которые можно было носить с собой и закрывать, чтобы краска не высыхала. Выходя на улицу, художники писали не только виды природы, их интересовали и сценки из повседневной жизни обычных людей. К таким картинам относится и работа Пьера Огюста Ренуара «Купание на Сене» («Лягушатник»).

6. Пьер Огюст Ренуар. «Купание на Сене» («Лягушатник»), 1869 г.
«Лягушатником» называлось известное кафе, где любили собираться художники, устроенное на воде на пришвартованном к берегу Сены понтоне. Прелестный уголок, с атмосферой беззаботности и счастья, подробно описанный выдающимися литераторами того времени — братьями Гонкур, Золя, Мопассаном. Часто туда приходил и Пьер Огюст Ренуар вместе со своим другом Клодом Моне. Конечно же, они там не только отдыхали, но и писали картины.

Известно несколько работ Ренуара на эту тему, одна из них находится в Пушкинском музее. Вот что интересно: хотя и Моне, и Ренуар писали это кафе практически с одной и той же точки, Моне больше интересовался пейзажем и природой, а Ренуар — изображением людей: его герои, их наряды написаны более тщательно.
Пьер Огюст Ренуар получил известность как автор замечательных женских и детских портретов.

7. Пьер Огюст Ренуар. «Портрет Жанны Самари», 1877 г.
Портрет Жанны Самари из собрания ГМИИ по праву считается одним из лучших портретов, когда-либо написанных Ренуаром. Но, показывая его детям, можно столкнуться с некоторыми трудностями: с одной стороны, это действительно одна из наиболее значимых и известных картин коллекции, с другой — непросто объяснить ребятам (особенно мальчикам), почему именно эта небольшая работа ценна и интересна.

В то же время портрет настолько нежный и теплый, что завоевывает расположение зрителей любого возраста. Любопытно вместе с детьми внимательно рассмотреть цвета этой картины и попытаться понять, какими красками пользовался художник. Эта задача не так уж проста: например, постарайтесь разгадать, сколько оттенков зеленого использует Ренуар, изображая платье, из каких цветов складывается, казалось бы, обычный розовый фон, посмотрите, как мелкие мазки совершенно поразительным образом сплетаются в рисунок.

8. Эдгар Дега. «Голубые танцовщицы», 1898 г.
Один из самых известных художников-импрессионистов — Эдгар Дега. Его любимыми моделями были балерины, а самая узнаваемая его картина — «Голубые танцовщицы». Несмотря на то что она называется именно «Танцовщицы», у зрителя может сложиться впечатление, что на картине не несколько девушек, готовящихся за кулисами к исполнению своей партии, а одна и та же балерина, изображенная в разных ракурсах: вот она завязывает пуант, потом поправляет платье, осматривает свой костюм, держась за край декораций. Обратите внимание детей, что самые простые и естественные движения на картине превращаются в прекрасный танец, художнику каким-то чудом удается передать магию театра.

В отличие от остальных картин, которые вы увидите во время этой музейной прогулки, «Голубые танцовщицы» написаны не красками, это — пастель (масляные или восковые мелки). Такой материал позволяет художнику работать очень быстро, нанося яркие штрихи, а потом растушевывая (растирая) их пальцами или кистью, что позволяет добиться интересных цветовых эффектов. Пастель известна уже очень давно — с XVI века, но долгое время художники пользовались ей для зарисовок, эскизов. Дега стал одним из первых мастеров, создававших с помощью пастели большие, законченные картины, превосходящие по размеру произведения других художников.

Иногда, чтобы получить поверхность нужного ему размера, он даже сшивал вместе несколько листов. Время от времени Дега добавлял мазки масляными или акварельными красками. Одним из открытий художника стала обработка картины паром, после чего пастель размягчалась и ее легче было растушевывать кистью или пальцами.
Полотно «Голубые танцовщицы» — лучшая из серии картин обнаженных женщин. Картина написана любимой художником пастелью.

На картине четыре балерины в голубых балетных пачках переданы в ракурсе «вид сверху». Благодаря этому мы словно бы захвачены их занятием: за кулисами в ожидании выхода балерины поправляют наряды.

Искусно переданное движение танцовщиц создает ощущение танца, который как бы вовлекает зрителя в его поэтичную пластику. Здесь, как и в некоторых других его работах, сказалось увлечение Дега фотографией, что заметно по асимметричности композиции и спонтанности обреза краев изображения.

9. Поль Сезанн. «Пьеро и Арлекин», 1888 г.
Внимание юных посетителей ГМИИ почти всегда привлекает картина Поля Сезанна «Пьеро и Арлекин». Об этой работе можно рассказать такую историю. К художнику обратился один коллекционер с просьбой написать серию картин, героями которых стали бы персонажи итальянской комедии. Сезанн поначалу взялся за этот заказ, но потом почему-то от него отказался, и единственной памятью об этом его опыте остается картина «Пьеро и Арлекин».

Над каждым своим полотном художник работал очень долго, заставляя часами стоять в полной неподвижности тех, кто ему позировал, при этом далеко не всегда это были профессиональные модели. Для картины Сезанн нарядил в костюм Арлекина собственного сына, а роль Пьеро «исполнил» его приятель. Когда искусствоведы изучали полотно с помощью специальной техники, которая позволяет проследить все этапы работы художника — от первых набросков до законченного произведения, — стало понятно, что композиция несколько раз менялась.

Если поза Пьеро была придумана с самого начала, то Арлекин менялся на протяжении работы над картиной. Это можно увидеть, даже не прибегая к помощи хитрого оборудования: присмотритесь, ступни Арлекина в узких черных туфлях поставлены одна за другой, край туфельки упирается прямо в нижнюю часть рамы, причем можно заметить складку, идущую в нижней части холста, которая свидетельствует, что он был отогнут ради того, чтобы изменить первоначальный формат картины. В конце XIX века стили и направления в живописи стремительно менялись, идеи импрессионистов развивались, на смену им пришли художники, которых стали называть постимпрессионистами.

Можно, конечно, рассказать детям о том, что их живопись более условна, более декоративна, обратить внимание на открытые, яркие цвета. Но так как речь об этой живописи пойдет уже в самом конце посещения, когда все уже перенасыщены впечатлениями, да и просто утомлены, расскажите об одном из самых известных постимпрессионистов — Поле Гогене, человеке, который настолько любил искусство, что ради него изменил всю свою жизнь.

10. Поль Гоген. «RUPERUPE (О, Таити, чудесный край! Сбор плодов)», 1899 г.
Чем только Поль Гоген не занимался на протяжении всей своей жизни. Он был моряком, бизнесменом, работал на бирже… Но бизнес ему особой радости не приносил, хотя дела Гогена шли успешно. В свободное время он сам с удовольствием занимался живописью и общался с другими художниками. Однажды к нему в мастерскую пришел один художник и стал хвалить его картины. Гоген растерялся, покраснел и промямлил, что он всего лишь любитель. «О, нет! — ответил художник. — Любители — это те, кто пишет плохие картины».

В какой-то момент Поль Гоген понял, что больше всего на свете ему нравится писать картины, оставил свой бизнес и полностью посвятил себя искусству. Он много путешествовал и, в конце концов, уехал на остров Таити, где прожил до конца жизни, создавая удивительные, яркие и солнечные полотна. Гоген не был известен, практически не выставлялся, а настоящая слава пришла к нему уже после смерти. Но он занимался любимым делом — и поэтому был счастлив.

Картина «Сбор плодов» — это своеобразный живописный гимн жизни, солнцу и свободе.
Историки искусства склонны видеть в этой картине множество зашифрованных символов и аллегорий: к примеру, говорят о том, что ярко-желтое небо напоминает золотой фон икон или мозаичных композиций. Но для знакомства детям достаточно запомнить, что Гоген стал первым европейским живописцем, который начал использовать в своем творчестве традиции примитивного искусства, а его работы оказали огромное влияние на искусство ХХ века.

11. ВАН ГОГ. КРАСНЫЕ ВИНОГРАДНИКИ В АРЛЕ
Пейзаж Ван Гога поражает силой эмоционального напряжения, ощущением присутствия при возникновении мироздания. Раскаленный диск солнца расплавляет землю, виноградники охвачены тревожными багровыми тонами, и, будто сгорая на пожаре, дорога справа превратилась в поток солнечной лавы, лишь на первом плане лежат прохладные лиловые тени.

Сборщики винограда кажутся порождением все той же могучей стихии, которая вызвала их словно из-под земли. Они вплетены живописцем в вечный круговорот природы.
Солярный символ является неизменным в творчестве Ван Гога, он считал солнце источником жизни.

12. ПИКАССО. ДЕВОЧКА НА ШАРЕ
Картина, где фигуры и пейзаж выдержаны в общем пепельном розово-голубом тоне, стала одним из центральных произведений «розового» периода в творчестве Пикассо.

Художник изображает бродячую труппу акробатов. В сопоставлении двух фигур — хрупкой, балансирующей на шаре девочки и массивного, неподвижно сидящего на кубическом основании атлета — раскрывается ведущая тема творчества Пикассо «розового» периода: лирическая тема дружбы, внутреннего единства людей, которых сближает тяжелый труд артиста.

Фото из интернета



Мне нравится:
0

Рубрика произведения: Разное ~ Репортаж
Ключевые слова: Живопись, художники, аналитика,
Количество рецензий: 0
Количество просмотров: 23
Опубликовано: 18.04.2018 в 18:50
© Copyright: Евгений Говсиевич
Просмотреть профиль автора






Есть вопросы?
Мы всегда рады помочь!Напишите нам, и мы свяжемся с Вами в ближайшее время!
1